Arte; sinònimo de belleza y temperamento

ARTE PRE-UNIVERSITARIO

TAREA

En base a lo que veràs a continuacion. Investiga sobre el arte posmoderno, sus posturas ( si es necesario, hazlo tambièn en enfoque filosòfico.),  sus caracteristicas y comparalas contra otras corrientes clàsicas (rencimiento, barroco, romanticismo, etc) Y, debate en grupo y haz una crìtica sobre el tema.  


Cuándo y dónde empieza el arte

El origen del arte se sitúa en el Paleolítico durante la Edad de Piedra.

Si bien hace unos años estaba extendida la teoría de que el arte surgía a principios del Paleolítico Superior como una producción característica del Homo Sapiens Sapiens hace 40.000 años en Europa.

A partir de estos hallazgos se cree que la aparición del arte es un fenómeno universal y se contempla la posibilidad de que el hombre de Neandertal (Homo neanderthalensis) también produjese arte
El arte còmo medio de expresion 

La clasificación del arte, o de las distintas facetas o categorías que pueden considerarse artísticas, ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: como se ha visto anteriormente, durante la antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas; así, entraban en esa denominación tanto las actuales bellas artes como la artesanía y las ciencias, mientras que quedaban excluidas la música y la poesía

La clasificación del arte, o de las distintas facetas o categorías que pueden considerarse artísticas, ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: como se ha visto anteriormente, durante la antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas; así, entraban en esa denominación tanto las actuales bellas artes como la artesanía y las ciencias, mientras que quedaban excluidas la música y la poesía

El arte como medio de expresion 

Durante la Edad Media continuó la división del arte entre artes liberales y vulgares –llamadas estas últimas entonces “mecánicas”–, si bien hubo nuevos intentos de clasificación: Boecio dividió las artes en ars y artificium, clasificación similar a la de artes liberales y vulgares, pero en una acepción que casi excluía las formas manuales del campo del arte, dependiendo éste tan sólo de la mente. En el siglo XIIRadulfo de Campo Lungointentó hacer una clasificación de las artes mecánicas, reduciéndolas a siete, igual número que las liberales. En función de su utilidad cara a la sociedad, las dividió en: ars victuaria, para alimentar a la gente; lanificaria, para vestirles; architectura, para procurarles una casa; suffragatoria, para darles medios de transporte; medicinaria, que les curaba; negotiatoria, para el comercio; militaria, para defenderse


En el siglo XVI empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no sólo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades. Se gestaba así el concepto moderno de arte, que durante el Renacimiento adquirió el nombre de arti del disegno (artes del diseño), por cuanto comprendían que esta actividad –el diseñar– era la principal en la génesis de las obras de arte. 

Sin embargo, faltaba aglutinar estas artes del diseño con el resto de actividades consideradas artísticas (música, poesía y teatro), tarea que se desarrolló durante los dos siglos siguientes con varios intentos de buscar un nexo común a todas estas actividades: así, el humanista florentino Giannozzo Manetti propuso el término “artes ingeniosas”, donde incluía las artes liberales, por lo que sólo cambiaba el vocablo; el filósofo neoplatónicoMarsilio Ficino elaboró el concepto de “artes musicales”, argumentando que la música era la inspiración para todas las artes; en 1555Giovanni Pietro Capriano introdujo en su De vera poetica la acepción “artes nobles”, apelando a la elevada finalidad de estas actividades; Lodovico Castelvetro habló en su Correttione (1572) de “artes memoriales”, ya que según él estas artes buscaban fijar en objetos la memoria de cosas y acontecimientos; Claude-François Menestrier, historiador francés del siglo XVII, formuló la idea de “artes pictóricas”, remarcando el carácter visual del arte; Emanuele Tesauro ideó en 1658 la noción de “artes poéticas”, inspirado en la célebre cita de Horacio ut pictura poesis (la pintura como la poesía), describiendo el componente poético y metafórico de estas artes; ya en el siglo XVIII, coincidieron en un mismo año (1744) dos definiciones, la de “artes agradables” de Giambattista Vico, y la de “artes elegantes” de James Harris; por último, en 1746Charles Batteux estableció en Las bellas artes reducidas a un único principio la concepción actual de bellas artes, remarcando su aspecto de imitación (imitatio). 

La consepcion del arte

El término “bellas artes” hizo fortuna, y quedó fijado como definición de todas las actividades basadas en la elaboración de objetos con finalidad estética, producidos de forma intelectual y con voluntad expresiva y trascendente. Así, desde entonces las artes fueron “bellas artes”, separadas tanto de las ciencias como de los oficios manuales. Por eso mismo, durante el siglo XIX se fue produciendo un nuevo cambio terminológico: ya que las artes eran sólo las bellas artes, y el resto de actividades no lo eran, poco a poco se fue perdiendo el término ‘bellas’ para quedar sólo el de ‘artes’, quedando la acepción ‘arte’ tal como la entendemos hoy día. Incluso sucedió que entonces se restringió el término “bellas artes” para designar las artes visuales, las que en el Renacimiento se denominaban “artes del diseño” (arquitectura, pintura y escultura), siendo las demás las “artes en general”. También hubo una tendencia cada vez más creciente a separar las artes visuales de las literarias, que recibieron el nombre de “bellas letras"-




Se podría decir que las “bellas artes” son aquellas que cumplen con ciertas características estéticas dignas de ser admiradas: tienen como objetivo expresar la belleza aunque esta sea definida por el artista o por la particular perspectiva del observador, cayendo en la ambigüedad de lo que es bello.
Sin embargo, pese a la aceptación general de la clasificación propuesta por Batteux, en los siglos siguientes todavía se produjeron intentos de nuevas clasificaciones del arte: Immanuel Kant distinguió entre “artes mecánicas” y “artes estéticas”; Robert von Zimmermann habló de artes de la representación material (arquitectura y escultura), de la representación perceptiva (pintura y música) y de la representación del pensamiento (literatura); y Alois Riegl, en Arte industrial de la época romana tardía, dividió el arte en arquitectura, plástica y ornamento. Hegel, en su Estética (1835-1838), estableció tres formas de manifestación artística: arte simbólico, clásico y romántico, que se relacionan con tres formas diferentes de arte, tres estadios de evolución histórica y tres maneras distintas de tomar forma la idea:


Arte Historia Idea Forma
Simbolico Infancia desajuste Arquitectura
Clásico Madurez Ajuste Escultura
Romántico Vejez desbordamiento Pintura,Musica Y Posesia

 

En la idea, primero hay una relación de desajuste, donde la idea no encuentra forma; después es de ajuste, cuando la idea se ajusta a la forma; por último, en el desbordamiento, la idea sobrepasa la forma, tiende al infinito. En la evolución histórica, equipara infancia con el arte prehistórico, antiguo y oriental; madurez, con el arte griego y romano; y vejez, con el arte cristiano. En cuanto a la forma, la arquitectura (forma monumental) es un arte tectónico, depende de la materia, de pesos, medidas, etc.; la escultura (forma antropomórfica) depende más de la forma volumétrica, por lo que se acerca más al hombre; la pintura, música y poesía (formas suprasensibles) son la etapa más espiritual, más desmaterializada. La creación artística no ha de ser una mimesis, sino un proceso de libertad espiritual. En su evolución, cuando el artista llega a su límite, se van perdiendo las formas sensibles, el arte se vuelve más conceptual y reflexivo; al final de este proceso se produce la “muerte del arte”

 

EL ARTE Y LA CIENCIA

Desde hace tiempo sabemos que la aparición de nuevos conceptos, estilos, tendencias, rupturas y formas en el arte puede tener algún extraño, sorpresivo y profundo vínculo con descubrimientos científicos e inventos tecnológicos. Entonces, ¿es posible afirmar que lo que motivó y motivará a los artistas no son sus sentimientos, su búsqueda estética ni sus preferencias políticas, ni siquiera sus errores, miserias y adicciones, sino las ideas alrededor de la ciencia y los juguetes técnicos que ellos mismos han ayudado a comprender y crear?

En el segundo número de la revista Plural que dirigió Octavio Paz apareció un ensayo del novelista cubano Severo Sarduy alrededor de una metáfora cosmológica sobre el famoso lienzo Las Meninas, pintado en 1656 por Diego Velázquez, el cual me pareció iluminador para responder a esa y a otras preguntas. Era 1971 y, no obstante, desde el humilde e inexperto punto de vista de un joven escritor me pareció que era un poco de aire que disipaba el ambiente enrarecido, promovido e impuesto por la crítica de arte convencional en su apurada carrera detrás de la obra-basura y efectista.

Sarduy señalaba los meandros por donde la experiencia de Velázquez se había diversificado, hasta llegar a la astrofísica contemporánea. La mirada perspicaz, la inclusión del creador dentro del experimento, es decir, dentro del cuadro, el juego de espejos y reflejos, así como la necesidad de retroceder o avanzar por medio de un correlato que nos ayude a descifrar el misterio profundo y la broma oportuna, son hechos compartidos tanto por el que estudia las estrellas como por el que pinta y tiene humor, aseguraba Sarduy en su ensayo. O al menos esa era mi inferencia.

Más tarde, en 1993, el mismo año en el que murió el escritor cubano, sostuve sendas charlas con los cosmólogos Martin Rees y Carlos S. Frenk. A ellos les mencioné la existencia de dicho ensayo. Si bien no lo habían leído, estuvieron dispuestos a entender las “licencias poéticas” de Sarduy que, en el fondo, no lo eran tanto. Se trataba de verdaderas intuiciones, de chispazos iluminadores que me permitieron obtener mi propia revelación. Algo similar al paralelismo que, años más tarde, los físicos de la UNAM José Luis Aragón y Gerardo García Naumis encontrarían entre obras de Vincent van Gogh, como “La noche estrellada”, y las leyes de la turbulencia.

Al confrontar las proposiciones estéticas del novelista cubano y las ideas científicas de dos notables astrofísicos empecé a descubrir los hilos que comunican las ideas sobre el origen, estructura y destino del universo con la invención pictórica. En ese entonces era difícil llevar a cabo una justa evaluación de las conjunciones y disyunciones alrededor de la ciencia y el arte. Había que montarse en un pájaro imaginario desde cuyo lomo pudiera obtenerse una mejor vista. Octavio Paz me animó a hacerlo. Comencé a entender que lo que buscaban tanto Velázquez como Sarduy, cada uno en su tiempo, era conocer el panorama ofrecido por un moderno Gerión, personaje demoniaco que aparece en la Divina Comedia de Dante Alighieri durante su descenso al Infierno.

 

El arte y la matematica, La perfeccion visible.



"La base de todo es el lenguaje, cada arte tiene su lenguaje propio; por ejemplo, toda la estructura en la que se apoya la música, como las reglas de la armonía y la construcción de la escala, está basada en principios matemáticos, al igual que las artes plásticas y la literatura"

 La relación entre la matemática y el arte, entre matemática y estética, tiene una larga e interesante historia. Ha habido momentos en que esta relación ha sido más evidente y explícita (el Renacimiento, los primeros años del Novecento, el grafismo electró- nico), otros en que los lazos entre ambas parecen debilitarse y desaparecer. A menudo estos lazos se olvidan, se alejan; una de las razones de que esto suceda se encuentra en el hecho de que quienes se dedican al arte, a la estética, a las disciplinas humanísticas, no conocen en absoluto la matemática de los últimos siglos. Tienen tan sólo una idea de la matemática griega y renacentista

 

 

Grandes maestros en el arte.

Claude Monet:


Salvador Dalí:



Pablo Picasso:

 

Miguel Ángel:



gustav Klimt:

 
Leonardo d´Vinci
 



El arte como el enriquesedor cultural occidental.

 

EL ENRIQUECIMIENTO CULTURAL

La cultura de una asociación se refiere a los valores, creencias, costumbres, tradiciones y significados compartidos que acercan a las personas y las mantienen unidas y que, con el paso del tiempo, distinguen a la asociación de otras. Básicamente, es lo que motiva a una asociación a tener éxito, a operar y a perdurar. A menudo, la cultura es más evidente en la forma en la que la asociación ‘realiza las cosas’ y ‘trata a las personas’ tanto dentro como fuera de su organización. En el Marco de Mejora de la Capacidad Organizacional (OCIF), la cultura se aborda a lo largo de las siguientes áreas de capacidades:

• La visión y misión de una asociación;
• Los valores de una asociación;
• Las remuneraciones e incentivos que están disponibles y que se promueven para atraer, retener y motivar a los miembros, voluntarios y personal.

OCCIDENTAL POR EL ARTE

 “Los griegos”

Una de las culturas que mayor herencia histórica dejó al mundo entero fueron los Griegos. La mitología griega es una de las más conocidas y de la cual se han desprendido innumerables obras literarias, arquitectónicas y hasta cinematográficas. Desde el 3000 hasta casi el 30 A.C., la cultura antigua griega dominó gran parte del territorio civilizado hasta entonces, ocupando Italia, Egipto, Sicilia, el norte de África en general, algunas partes de Asia y numerosas islas del Mediterráneo. Se dividió en cinco períodos separados por el tiempo: Cultura Egea (dividida a su vez en las culturas Cicladas y de Creta), Cultura Micénica, Arcaico, Clásico y Helénico.

 

 

“Los romanos”

Los romanos, en cuanto al arte, surgen como fruto de inspiración del último período de la cultura griega, el período helénico. El imperio romano surge en el año 753 A.C. con la fundación de la ciudad de Roma. Propiamente, la cultura de esta ciudad, extendida hasta el norte de África, Europa y parte de Asia, no se considera un imperio sino hasta el año 27 A.C.. Sin embargo, para fines de practicidad, se le denominará de esta manera a lo largo de todas sus épocas a lo largo de este texto. Antes de convertirse en imperio se le denominaba República de Roma.

Los romanos contaron con un sistema cultural que impactó en todas las sociedades posteriores a ellos. Contaban con un calendario, y entendían la manera en que los días se dividían en horas y minutos. Nombraron los meses con nombres utilizados por nuestras sociedades occidentales hoy en día, y contaban con un sistema decimal que asemejaba mucho todo a nuestras civilizaciones actuales. El alfabeto que conocemos hoy en día fue elaborado de manera primitiva pero casi idéntico a lo usado en la actualidad.


Arte del siglo XX. Una vision opuesta, un imperativo al arte clàsico.

DADAISMO

Es un movimiento artístico particularmente apreciable en pintura y poesía que fue fundado por el poeta rumano Tristán Tzara, el escritor alemán Hugo Ball y el artista alsaciano Hans Arp en Suiza en 1916, y es la expresión de una protesta contra todos los convencionalismos ortodoxos que habían desembocado en la Primera Guerra Mundial. Esta manera de expresar el arte continuó en Berlín, Colonia, Nueva York y París.

El Dadaísmo rechazó toda la herencia cultural por considerarla comprometida con un sistema social que ellos repudiaban íntegramente.

Surgió así la idea de formar un movimiento “anti-artístico” que derrumbara el culto a los valores de la estética y , en general, a todos los valores que la sociedad respetaba.

Con frecuencia recurrían a la utilización de métodos artísticos y literarios que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar al público. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desechos encontrados en la calle, y también, cualquier objeto de la vida cotidiana, sacado de su contexto práctico, podía asumir la función de un “objeto de arte”.

El movimiento Dadá, como también se denomina al Dadaísmo, decayó en la década del '20 y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos modernos, especialmente del surrealismo.

EXPRESIONISMO

Movimiento artístico de comienzos del siglo XX basado en la expresión de sentimientos subjetivos, más que en una descripción objetiva de la realidad.

Esta obra ejerció honda influencia en el novelista checo Franz Kafka, así como en otros escritores. Los primeros dramaturgos expresionistas fueron el sueco August Strindberg, “La sonata de los espectros” (1908) y el alemán Frank Wedekind, “La caja de Pandora” (1904); cuya influencia resulta palpable en la siguiente generación de autores de teatro a escala internacional. Entre éstos destacan los alemanes Georg Kaiser y Ernst Toller, el checo Karel Capek, y los estadounidenses Eugene O'Neill y Elmer Rice.

En la década de 1920 el expresionismo se fundió con el movimiento dadaísta y después con el surrealismo. Con la llegada del nazismo, el expresionismo, como otras manifestaciones vanguardistas, fue perseguido en Alemania acusado de ser un “arte degenerado”.

En la pintura los artistas de la Europa medieval exageraban sus figuras en las catedrales románicas y góticas para intensificar la expresividad espiritual. La intensidad expresiva creada mediante la distorsión aparece también en el siglo XVI en las obras de los artistas manieristas, como el pintor español El Greco y el alemán Matthias Grünewald. Sin embargo, los auténticos precursores del expresionismo vanguardista aparecieron a finales del siglo XIX y comienzos del XX, en especial el pintor holandés Vincent van Gogh, el francés Paul Gauguin y el noruego Edvard Munch, que utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión más intensa.

SURREALISMO

El movimiento surrealista fue heredero del dadaísmo, tanto por la problemática planteada en el plano estético como por los propios artistas que lo expresaron.

El término “surrealismo” fue empleado por primera vez por el poeta Apollinaire para referirse a su propia obra teatral “Las Tetas de Tiresias”, luego en 1924, André Breton y Phillipe Soupault lo adoptaron para definir una forma de escribir que estaban experimentando, y que se basaba fundamentalmente en la espontaneidad.

La mayoría de los más distinguidos escritores franceses de principios del siglo XX se vincularon con el movimiento, entre los que se encuentran:

André Breton: “Nadja” (1928), “Claro de tierra” (1923), “La unión libre” (1931)

Paul Éluard: “Morir de no morir” (1924), “Capital del dolor (1926)” y “Los ojos fértiles” (1936)

Louis Aragon: “Tratado de estilo” (1928)

Los escritores surrealistas más puristas utilizaron el automatismo como forma literaria, es decir, escribían palabras según venían a su mente. No alteraban lo que escribían para no interferir en el puro acto de la creación y dejaban fluir libremente su pensamiento para establecer una vía de comunicación con el subconsciente de sus lectores. El uso estricto del automatismo psíquico fue modificado más tarde por el uso del consciente, sobre todo en pintura con símbolos derivados de la psicología freudiana. Como sus precursores los dadaístas, los surrealistas rompieron con las reglas del trabajo y su conducta personal para liberar su verdad interior.

Otros escritores surrealistas: Pablo Neruda en Chile, quien pasó por Madrid en 1935 y lanzó su manifiesto "Sobre una poesía sin pureza"; Olga Orozco y Enrique Molina en Argentina; César Vallejo en Perú; Alejo Carpentier en Cuba; Octavio Paz en México.

La pintura surrealista es muy variada de contenidos y técnicas. Dalí, por ejemplo, transcribe sus sueños de una manera más o menos fotográfica.

FUTURISMO

Movimiento cultural artístico-literario que fundó el poeta italiano Filippo Marinetti, autor del Manifiesto del Futurismo en 1909, que fue firmado al año siguiente por varios artistas, entre ellos: Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà. Este movimiento rechazò la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Para captar la sensación de movimiento se superponen acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Este movimiento tuvo una gran repercusión en toda Europa. Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso.

ULTRAÍSMO

Movimiento poético de vanguardia surgido de las tertulias que iniciara Rafael Cansinos-Assens en el Café Colonial de Madrid a finales de 1918 a través de la revista Ultra y como reacción contra el modernismo de Rubén Darío. Se destacan los escritores: Ramón Gómez de la Serna y Juan Ramón Jiménez.

Es un movimiento típicamente latinoamericano y el único de importancia que proliferó en América latina entre 1920 y 1930.

Su centro fue Buenos Aires y Jorge Luis Borges fue su mayor exponente. En el ámbito local estaba en contra la preponderancia de Leopoldo Lugones. Se basaba en la revalorización de la metáfora y en el verso libre, ya que la rima fue desterrada.

El movimiento se difundió a través de varias revistas españolas: Los Quijotes, Grecia, Cervantes, Ultra, Horizonte, etc. y en la Argentina: Prisma (1921), en la que colaboraron, entre otros, Borges, Eduardo González Lanuza y Guillermo de Torre y también en Buenos Aires se publicó Proa, bajo la conducción de Borges. Desaparecida esta publicación, sus integrantes pasaron, en su gran mayoría, a la revista Martín Fierro, hito en el desarrollo de la literatura argentina.

El movimiento quedó disuelto al dejar de publicarse públicamente la revista Ultra en la primavera de 1922.

Es importante destacar la relación del ultraísmo con los movimientos coetáneos de vanguardia: el futurismo, el cubismo, el dadaísmo.

 

  • MAN RAY

 

El nombre verdadero de Man Ray era Emanuel Rabinovitch. Nació en Filadelfia (E.E.U.U.) el 27 de agosto de 1890. Creció en Nueva York donde estudió arquitectura, ingeniería y arte y se formó como pintor.

En 1915 conoció en París a Marcel Duchamp con quien fundó el movimiento dada o dadaísmo de Nueva York.

Se estableció en París a partir de 1921, donde entre sus destacadas creaciones se destaca “Le Cadeau” (El regalo) que era un neumático con tachuelas. Asimismo experimentó con pintura de aerógrafo sobre vidrio. Más tarde se conectó con grupos surrealistas y practicó la fotografía como medio de subsistencia, dentro de la cual inventó la rayografía, técnica de fotografía contínua o fotograma sobre papel de alta sensibilidad y también la solarización o revelado parcial, que mantiene parte de la imagen en negativo y el resto en positivo.

En el campo de la pintura, su obra maestra fue “Observatory time - the lovers” (Hora de observatorio: los amantes) en 1932-1934, la cual fue opacada por sus logros fotográficos.

También se desempeño en el mundo del cine con Anemic Cinema (Cine anémico), realizada con Marcel Duchamp en 1924-1926 y L'Etoile de Mer (La estrella de mar) de 1928.

Falleció en París el 18 de noviembre de 1976.

 

  • En Europa a partir de la década de 1910 y con mayor intensidad durante los años 20 se desarrolló una compleja interacción entre el cine y las vanguardias artístico-literarias.

 

En el cine alemán posterior a la Primera Guerra Mundial, la influencia del expresionismo pictórico, literario y teatral, provocó la aparición de un grupo de films como por ejemplo El gabinete del Dr. Caligari (1919), de Robert Wiene.

Ejemplos de películas producidas durante los movimientos futurista y dadaísta son: Anemic Cinema (1926); realizada por Marcel Duchamp y Man Ray, La retour à la raison (1923); realizada por el fotógrafo americano Man Ray, Entreacto (1924); realizada por René Clair, sobre un guión del pintor dadaísta Francis Picabia.

El movimiento surrealista no sólo realizó un nuevo tipo de cine, sino que también se interesó por las analogías existentes entre el cine y el sueño, introduciendo imágenes que expresaran los mecanismos del subconsciente. Exponentes destacados de este movimiento son los siguientes films: Un perro andaluz (1928), realizado por el director Luis Buñuel en colaboración con el pintor Salvador Dalí, en el cual se evidencia el equivalente fílmico de la “escritura automática” y La edad de oro (1930), también de Luis Buñuel donde se manifiesta el escarnio a los valores burgueses, el espíritu anticlerical, como así también la exaltación de los valores subversivos del erotismo.

 

 

 

 

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